乱

这两天看完了黑泽明的《乱》。电影表现的日本战国风貌十分恢弘壮阔，另外色彩使用也特别有艺术表现力，让人忍不住想拍案叫好。这里我想记录自己觉得电影中耐人寻味的地方，同时也借截图欣赏大师的浓墨重彩之作。

第一幕

《乱》这部电影中场景的布置都很细腻讲究，开幕就是刻意摆好的场景：晴空下的一场狩猎。士兵们在山岗上等待猎物的出现。大块白云、起伏的广阔矮丘与人的形象相映衬，人与马都静止，给人一种史诗的肃穆之感。

但是如果完全静止，倒也有些无趣了。觉得这里很高明的一点就是它巧妙地把片头静态场景设置需要和狩猎中警戒的相对静止动作结合起来，静却也并不是拍照式的静，而士兵的一举一动，一瞻一顾都有相应的动因——他们确实在进行一场狩猎呀。

开幕的场景可谓是天朗气清，惠风和畅了，广阔的山丘草原，随行的将士人强马肥，天空下人兽相逐——却总觉得这是不好的暗示，毕竟军士之盛，兵燹之乱也。还记得后面二郎与诸军对阵时有一句台词也说，并不畏惧三郎及绫部藤卷的部队，我军“人强马肥”。而后的情节中的确再没有这样明亮的布景，整个故事的基调和家族的命运都在不可阻挡地衰落和毁灭。

大主公秀虎拈弓一箭

可以说这是全片中大主公秀虎最具英雄气的一个镜头，秀虎马上飞驰，鹰目凝神，射出飞箭。稍后我们再比较看这个画面。

秀虎在席间正是得意，却意外睡着过去，在大家等待时又从噩梦中惊醒突然冲出围场，这时的大主公与之前的气色全然不同了：惊恐，面色灰暗，双目圆睁，头上的帽子变得凌乱。连三郎都不可置信地说：我从来没有见过父亲这样的表情！这里不免觉得日本人的精神世界也太过敏感（后面也有很多相关的表现）……

有一个很有意思的点是，只有最后被驱逐的三郎在出围场前砍了一段树枝为父亲来遮挡阳光。这个细节与其他两位口是心非的哥哥对比，的确令人感慨。

我觉得这里的两张图是两个很有意思的场景。“群贤毕至，少长咸集。”儿子、臣子和盟友、对手分列两边。这两个场景都很有仪式感，放大一点说，有一种秩序感——《乱》的故事刚刚开始，秩序尚得以保持，而未曾料到的巨大混乱即将来临。

争端初露：小儿子三郎认为父亲想要退位让权、安享晚年的想法是老朽荒谬，将来兄弟之间可能会手足相残。而他说的话后来也不幸地被证实了：

容我陈述。你认为今之时局如何？——乃是六亲不认、弱肉强食之时世，我清楚得很。当然，过去父亲是杀人不计其数，为求生存，不择手段，才有今日。但是，父亲，我们也是生于乱世之儿子！怎可依赖这等儿子妄图安乐？我认为这样的父亲已错乱了，老朽了！

这话是整个故事的谶言。初看时我没注意，第二次又返回来细想，这话是什么意思？前面的话好理解，关键在于“我们也是生于乱世之儿子！”这句，大意是当今天下皆为虎狼，父亲也曾是雄霸之虎。然而，须知虎子亦为虎，我们也是虎狼，怎么能期待依赖虎狼来享乐呢？

果然，此后大郎二郎与父亲之间的矛盾越演越深，兄弟都有各自的权力和利益算盘。在大主公秀虎进入第三城后，生驹小泽两个近侍的背叛带来了一场可怕的灾祸。

当真是一副人间地狱之景。

我没有具体数过，但是大概看整个场景中的死人应该没有100个（？），数量的确不多，但仍然成功营造了兵燹过处生灵涂炭之感，这不得不说影片光线，色彩，燃烧等效果的运用都是极好的。在暗黑之中又透出可怖的猩红光线，把遍地的死亡和杀戮渲染地更加具有冲击力。

天顶的光线不是希望的降临，而是光明在无情地被吞噬。

黑泽明的《乱》，是大师一生最富盛名的作品，故事改编自莎士比亚的戏剧《李尔王》，有“东方李尔王”之美誉。

虽然是改编，但黑泽明很好地结合了日本文化，所以即便是对莎士比亚戏剧非常熟悉，故事还是很有看头。

这部《乱》是2小时40分的长片，将一个大家族分崩离析的悲剧娓娓道来，留下了很多经典镜头，是黑泽明一生的最高成就，值得反复多次欣赏。

网络上有人把黑泽明的这部《乱》，归于“因为片名被忽视的佳作”，但对于一个真正的电影爱好者，绝对不会因为名字漏掉某部佳作，电影看多了，必然会发现很多电影之间都是有联系的。

我们可以按年代和地域来区分电影，但最终落到实处，必然是按照导演来划分更为系统。虽然也有很多导演一生的风格多变，那是因为跨时代或者跨地域的影响，这么一综合反而能理解更多。

比如国师张艺谋以《英雄》为分界点，之前和之后的风格就完全不同，这在整个中国电影史上，就具有跨时代的意义，2000年以后，国师扛起了中国商业大片的大旗。

电影爱好者大约都知道，张艺谋的大片之路就是受了黑泽明的影响，《英雄》的色彩应用和战争场面的调度，很多都是借鉴了这部《乱》，美术风格一脉相承，包括后来的《十面埋伏》，这几部电影的服装设计都是同一个人 和田恵美。

鉴于这个原因，有很多人看国师的电影，认为根本不是中国的风格，确实是很多美术风格来自日本。那么话又说回来，黑泽明电影和张艺谋电影拿到欧美市场，别人还是可以清晰的看出来差别，说明张艺谋包装的当然还是中国文化。

日本文化受中国唐朝影响较大，建筑和美术风格还保留了唐文化的影子。而我们中国反而因为历代的战乱，和近现代的全盘西化，丢掉了很多传统文化的精髓，以至于很多人觉得中国古代的东西都有点像日本，这就是个悲剧。

就电影来说，个人认为国师张艺谋的几部大片，在形式美学上应该是超越了大师黑泽明，毕竟时代在进步，影视技术有了长足的发展，但就剧本打磨和镜头语言上来说，距离黑泽明恐怕还有不小的差距，好在张艺谋仍然还是一位高产的导演，他还有进步的空间。

这部《乱》的剧本来自莎士比亚的经典悲剧《李尔王》，在整体结构上当然是天生优秀，但要把改编戏剧的电影拍好并不简单，毕竟不是同一时代的产物。

下面找几个比较明显的例子，来说说这部改编戏剧在电影语言上的革新。

戏剧因为是舞台表演，人物的心理活动当然只能用旁白来表达，而电影是镜头语言，能不说话，当然还是不要说的好。

比如同样是表现老三的孝心，原著就是三女儿科迪利娅的旁白， 而电影里面是用了一组镜头来表现。

狩猎时众人看到秀虎睡着了，纷纷退下等他醒来，三郎拔刀砍了两个树枝，默默的插到父亲身后帮他遮挡太阳。这个过程一句台词都没有，但观众能感受到，三郎是真心爱戴他的父亲，这就是镜头语言。

有时候空镜也能传达情绪，比如在秀虎分家之前，周围风平浪静，天空云彩纹丝不动，而秀虎说了分家之后，天空突然风起云涌，预示着即将来临的暴风雨。戏剧不可能有这样的镜头渲染，还得用台词来表达。

原著李尔王在暴风雨之夜，被两个大女儿赶出家门，有一段描写：“他扯着他的白发，让盲目愤怒的暴风，把它们任意披散；在他个人的微观世界之内，正在进行着比风雨的冲突，更为剧烈的斗争。”电影里面太郎和次郎围攻老父亲后，秀虎从大火中失魂落魄的走到旷野中，也是一句台词都没有，但若是看过原著的人，肯定会自觉地联想到这一段经典台词。

对于电影的镜头语言理解，要是对原著非常的熟悉，必然能获得更多的感悟。反过来也能解释，为什么很多人经常说看不懂某某电影，恐怕就是因为没有读过带有相同情感的文字。每个人亲身经历是有限的，不可能每部电影都能引起情感共鸣。

我们从正面去欣赏某种艺术，都不是件容易的事情，需要很长时间培养审美能力，但反证法却比较简单，所以我们也可以举一个反例看看。

比如同样是改编自莎士比亚戏剧的《夜宴》，几乎就是结合了《哈姆雷特》和《麦克白》，摄影美学和动作设计都很好，但最后国王面对王子的复仇，饮下毒酒那一段，竟然是用台词念出来的，而且基本就是莎士比亚的戏剧腔，语言风格和中国古文字格格不入，感觉非常的难受。导致这么一部获奖一长串的电影，在豆瓣上只有5.7分，普通观众虽说不上来，但他们能感觉到有什么不对劲。

之前就说过，黑泽明将日本的战马拍得极其壮美，本片同样有非常值得欣赏的一段。三郎带着部下越过边境，一队骑兵不紧不慢的骑马渡河，水流差不多淹到了马背，各色战马膘肥体壮，马队整齐划一，节奏唯美。三郎一袭青衣，胯下一匹青骢骏马，神气活现。

狂阿弥在荒城里追随秀虎这一段，也是值得回味。原著弄人是一个非常重要的角色，电影里就是对应了狂阿弥。弄人们都是表面装疯卖傻，实际心里非常明白，狂阿弥早就知道秀虎必然悲剧，但他地位卑微，能力有限，所做的只有默默地陪伴。狂阿弥的台词和原著弄人的台词有很多异曲同工之妙，比如原著弄人嘲讽李尔王，用的是“鸠占鹊巢”的典故，说那两个大女儿肯定会谋害李尔王，而电影里狂阿弥嘲讽秀虎，说的故事是小鸟孵化了蛇蛋，蛇长大了必然吃掉小鸟。

太郎和次郎攻击父亲秀虎的战争场面，是整部影片里最为残酷的片段，但这里使用了来自默片时代的表现方法，隐去了现场音，配了一段凄凉婉转的音乐，造成一种“音画对立”的效果。让观众冷眼旁观而不是融入其中，或许更能感触到，从古到今这种骨肉至亲之间的残害，并不少见。

中国典故“停尸不顾，束甲相攻”，说就是春秋五霸之一的齐桓公死后，尸体还没有装入棺材，五个儿子就开始相互攻击争夺王位了。有儿子在齐桓公尸体旁边哭泣，另外一个冲进来射箭，儿子只好拉起父亲的尸体做挡箭牌。后来齐桓公在床上躺了67天，无人收尸，蛆虫都从窗户里爬出来了。

原著《李尔王》据说是改编自8世纪的古老传说，那么也可能是真有其事。8世纪正是中国唐代，最为著名的当属“玄武门之变”，李世民杀了两个兄弟夺了皇位，后来因为贞观之治，唐太宗并未被后人过多谴责。

明代朱元璋传位给孙子建文帝，他儿子燕王朱棣造反，夺了侄儿的皇位迁都北京，才有了北京城的繁华。那么到了清代，康熙的儿子们闹得最是欢腾，四爷雍正可是中国电视剧里最忙的人。

历史总是惊人的像似，人类总是在走古人走过的老路，但还是会迷路。原著名言：“疯子带瞎子走路，就是这个时代的病态。”这话超越了时代，至今适用于全世界。

末夫人带着他那盲眼的弟弟鹤丸逃亡，逃了半天还是无处可去，只能在父亲已经被烧毁的老城废墟里徘徊，恰巧在这里碰上了已经落了难的杀父仇人秀虎。这是对秀虎的再次摧残，让已经疯癫的秀虎以为这就是人间地狱。

片尾主要人物死得干干净净，唯独盲眼的鹤丸，一个人伫立在孤城废墟上，跌落了手上的佛像。

黑泽明大师晚年对人性看得极为透彻，人类历史就是一部治乱交替的历史，过不了几天好日子，乱七八糟的事必然就来了。

我没有路，所以不需要眼睛；当我能够看见的时候，我也会失足颠仆，我们往往因为有所自恃而失之于大意，反不如缺陷却能对我们有益。 ----莎士比亚《李尔王》

这是一部足以载入日本电影史册的巨作，黑泽明用经典的剧本拍出了令人震撼的故事。

全篇中华丽的造型与化妆布景，实在是匪夷所思，在当时的年代绝对首屈一指。如果说影武者中还差些什么的话，仲代达矢的表演在这部片子中达到了顶峰，让我们见识了真正的爆发力。

影片中对于权利与人性的剖析淋漓尽致，让人不寒而栗，悲壮感来自于内心深处。并且很好地诠释了“红颜祸水”的意义。

从时间和制作水平上来讲，可以和《影武者》并称姊妹篇。

黑泽喜欢改编莎翁的剧作，而他的电影，多数也是不多的主要人物，激烈的冲突，简单固定的场景，符合三一律的结构，本身就有着剧的特点。 在这部电影里，人物依然简单，秀虎和三个儿子，秀虎将帅位传于长子，三子直言被他赶走，后家国离乱，自己也颠沛流离，太郎、次郎自相残杀，三郎来接父亲，秀虎认清错怪三郎，不幸三郎中了埋伏，秀虎也气绝身亡。 但是这个简单的故事，黑泽明却拍得起伏跌宕，扣人心弦。这也是他的电影的一贯特点，往往情节并不复杂，可是导演就能做到让人揪心揪肺，对如何进展充满好奇，或许，这与人物都有着鲜明的个性分不开，就是人物都很出彩，所以，情节此时反退居次位，导演对氛围的营造，以及人物在关口的华彩表现，倒更加吸引观众。 黑泽明说，是以苍天俯瞰众生的态度拍的这部电影，所以为此特写几乎不用，近景也很少。 这部电影的主角，无疑是秀虎，仲代达矢将之演绎的栩栩如生，他既是一个刚愎自用的将领，也是一个不乏慈爱的老父，从独断专行到落魄无助，其间的性格变化十分令人信服，疯了之后，飘飘白发下，怒睁的双眼，凄惘的眼神，还有大风时不时吹动衣襟，露出他的为逃命来不及穿裤子的大腿，都令人顿感凄凉——人世的无常，从顶峰到谷底的捉弄，幻灭意味尽展无疑。 这里面的两位女性也很引人注目，两位夫人都是家城被秀虎所破，父兄尽丧，但是，却选择了不同的道路。太郎的夫人阿枫，一意报复，挑唆太郎，后勾引二郎，最后兄弟自相残杀，她也落得被屠，但其死无悔，宁肯城毁，她的决绝与狠毒令人心惊肉跳。在黑泽明的《蜘蛛巢城》里，也有这么一个夫人，纵诡计多端还是见识短浅，终于把丈夫送上不归路，那也是一个心狠手辣、杀人不眨眼的狠毒夫人。这位夫人跟阿枫多有相像处，那时候的导演还有把人物的失败归罪于女人的短视与贪欲上的意思，但到了阿枫这里，还是给出了一个较为合理的解释，即并非女人天性阴毒，而是事出有因，情有可原，阿枫，被塑造成了复仇女神的角色。 而另一个末夫人，则一心向佛，对于秀虎当年的屠城，也以前世因果作结，秀虎对此十分无奈，说，你对我坏一点我心情还会好些，但末夫人根本不与他计较，每天诵佛，在逃亡路上仍不忘携带佛祖画像。冤冤相报何时了。末夫人以逃避和原谅的姿态，给出了面对仇恨的另一种解决之道。 最终，秀虎一家全家覆亡，只有末夫人的弟弟鹤丸，这个瞎子还活着，他在昔日家城的残垣断壁上，用盲杖探着路，险些跌落深渊，此时，姐姐的佛像不经意飘落，这也许是种暗喻，芸芸众生不过是像瞎子一样，看不清前路，如果丢掉了向佛、慈悲之心，前面就是万丈深渊。 大概只有以苍天俯瞰终生的心情，才拍得出这样的惨剧吧。否则，怎忍把真相如此赤裸裸揭示于庸众，鲁迅说的铁屋子里的人，其实是害怕这样的惨烈的，但是，总得有人唤醒那屋里的人。秀虎最终品尝的苦果本是他一手栽下，即使有个儿子可靠，终于抵不过因果轮回的报应。回看一生，是成，是败？是得，是失？疯了的秀虎喃喃自语，我是谁，当他终于意识到渺小，已经来不及了。 苍天看着人间的厮杀征战，也只有悲悯的心情吧，选择还是要人类自己做出。