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1 ) 戈达尔式诗意哲学
八年前的某一天，我午睡起来，想起刚刚做过的梦，梦中一个女人站在一个穿风衣的男人身后，伸出手掌，五指张开，挡在男人的脸庞前方，光影从女人的指尖投射在男人的脸上，他们静默着不说话。醒来后我把这一幕画了下来，跑到隔壁房间激动地对妈妈说我梦见了一个可以拍成电影的画面。八年前的我没有想到这一幕在戈达尔的电影中重现，说是巧合罢，十三岁时候的我梦见二十岁的我最喜欢的导演的电影画面，在一小时第十六分钟。
从精疲力竭开始接触戈达尔，起先只觉朦胧的喜爱，然后看了法外之徒，狂人皮埃罗，随心所欲，就彻底沦陷在他的先锋世界。阿尔法城比他别的电影更带有实验意味，讲了一个科幻悬疑的故事，但是内核却仍然是戈达尔式的哲学与诗意，很赞同这样的说法，阿尔法城就是戈达尔和观众开的一个玩笑。他不需要被理解，他的电影只是他个人哲学和光影玩的一个游戏。或许只有和戈达尔站在同一审美高度的人，才能真正理解阿尔法城，我们仅做个看客罢了。
戈达尔说诗歌让黑暗变成光明，他相信良心是自然而然产生在人类身上的， 在他的世界里，“秋光”，“温柔”这样的词代表的是人性，而阿尔法城居民却被所谓的虚假的理性和逻辑而控制，没有诗意，进而也没有了人性。戈达尔的哲学和欧陆哲学所代表的诗意十分接近，之于我是一个迷人又空洞的存在，还没有接触过任何关于海德格尔诗意的栖居，萨特的存在与时间，福柯意识形态的癫狂，而依浅薄之见，欧陆哲学和戈达尔式电影的共同点，是让世人对它们产生一种近乎崇敬的着迷，当谁接近他们哪怕一点点时，只感受到前所未有的恐惧，一部分人被这恐惧吓退，然后散布言论说它们是疯子，是沽名钓誉的假大师，一部分人从中发现美学的共情，进而成为它们的研究者，追随者。
事实上，我想说，戈达尔的电影是最接近电影的柏拉图式“完美理型”。没有哪个导演像他一样把拍电影当成光影的游戏，阿尔法城电影里光线的忽明忽暗，画面的负片效果，先锋的跳接和蒙太奇，演员直视镜头的强烈情绪表达，让戈达尔不像我们这个世界的人。真正能称为艺术的电影，是戈达尔这样拥有着超越时空的原创性，拥有哲学诗化的语言，和拥有非他所不能拥有的独特技巧的电影。
然而对于戈达尔这样超前于世人的导演，他的终结还是爱。如果不是的话，全片最后一个镜头不会是他最爱的安娜卡里娜一字一顿说出“Je vous aime”，我爱你。
2 ) 当戈达尔谈反乌托邦时他谈些什么
First and foremost a spoof.
The key to understanding Jean-Luc Godard's *Alphaville* is to realize that it is first and foremost a spoof. It spoofs nearly everything it touches: science fiction; comic-books; George Orwell; Aldous Huxley; American private-eye movies; spy movies; technology in general and computers in particular; romantic love as presented in cinema. If you sit down to watch this expecting a high-minded piece of French New Wave cinema, you're going to end up being put-off.
这个片子谈不上深度，即使以当时的年代来看，其中最被人称道的就是社幻的一面，看过1984美丽新世界之类的书的话便知道在这方面该片没有突破。就像上面那段话说的，这个片子就是看戈达尔玩trick的。
这部片的萌点就在于硬汉操着文艺腔讲一堆make no sense的话，和长门有希操宇宙语说话有异曲同工之妙，观众一定要去从这些对话中找出什么深刻伟大的东西也请保持硬汉那么销魂的表情去做这件事。
说来惭愧，我听说这部片是以前看《天黑以后》里提到的，似乎里面的少女说阿尔法城里人物的生存模式，以及生硬冷漠什么的，村上君也许是想借阿尔法城这个被异化的社会模型来表达对现今同样高度异化的日本国的忧虑云云，但我觉得他这么一本正经的人可能cult这部片也不会从trick这个角度。日本人总是喜欢探讨少年成长之类的东西，越老越爱谈，同样五十多岁的押井守大叔今次探讨成长的作业《空中杀手》就很让人沮丧，也许他空手道方面能交一份更好的答卷。村上君也是写少年越来越不得志了，我还没看他的新书《论跑步》，我希望这次他真的能认真谈下他这项旷日持久广为人知乃至不得不著书论述的生活习惯，并且谈出一个阶段性的成果来。他去年在接受耶路撒冷文学奖时发表讲话说要永远站在蛋的一边，我真的不希望这句话的意思就是“装蛋”这么的字面，其实我很喜欢他笔下某些少年的调调，这些调调当然不是丧失幽默感。
3 ) 新浪潮科幻之《阿尔法城》：冰冷但戏谑的黑白都市
《阿尔法城》是新浪潮“电影手册派”导演让-吕克·戈达尔于1965年创作的长片。这是一部纯原创的电影，相较于有成功改编作品的《堤》和有经典原著作品的《华氏451》，它在科幻电影的主流受众当中恐怕更为冷门。
本片描绘了一座冰冷的未来都市：生活在这里的居民全部无情无爱，一切都被超级计算机“阿尔法60”统治在“逻辑”之下。故事则围绕一个外世界（Outer Countries）密探展开，以他的角度带领观众认识阿尔法城。
很显然，《阿尔法城》与《华氏451》同属反乌托邦类型。但与相对大众化的《华氏451》不同，《阿尔法城》的气质更接近于《堤》。换言之，这又是一部处处散发着疏远感的电影。
某种强大力量占据统治地位——“阿尔法60”，社会体制极度僵化——“逻辑”凌驾于一切之上，出现规则的破坏者——外来的密探男主，存在需要拯救的象征性人物——冯·布劳恩父女……倘若单从电影描绘的这些元素来看，《阿尔法城》似乎是一部很典型的反乌托邦电影，但本片给人的观感实际上并不典型。究其原因，很可能是片中处处流露出的戏谑在作祟。
质能方程和动量方程得到了好几次慢镜特写，背景中时不时充斥着滴滴答答的电子声，硬汉男主和“阿尔法60”总是说着各种高深的台词，而“阿尔法60”的声音仿佛患了喉癌……可是，一切都并没有什么明确的意义。
如果说这只是戈达尔在故弄玄虚，那么刻意拙劣化的动作戏绝对是戏谑的体现——接近片尾的停车场那一段尤为突出。在停车场的短暂动作戏中，戈达尔故意拉大了相邻镜头中动作的间隔，在每个镜头中又将画面放得极慢，表现出的效果近乎几幅静态画面的组接。如此“可笑”的动作戏，倘若不是戏谑，便再无其他解释。
泳池里处决反逻辑罪犯的桥段，呈现出的效果也是好笑大于残酷。甚至于草率和俗套的结尾，也给人以莫名的怪异感。
然而，这样的戏谑却被戈达尔掩盖在了浓重的诗意之下，结果迥异于一般意义上的“笑料”。戈达尔在戏谑的同时，依然在疏远着普通观众。
某种程度上可以这么说，《阿尔法城》如果出现在阿尔法城，一定会被列为禁片。
“因为它不符合逻辑。”
但是——
“你和你的逻辑去死吧。”
4 ) 《阿尔法城（Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution）》：粗糙科幻中的爱情【第15届柏林电影节金熊奖】
阿尔法城 Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution (1965)
本片获得1965年第15届柏林电影节金熊奖。
电影通过一个科幻故事，讲述一个计算机专制的城市生活。男主角是一名特工，奉命来到阿尔法城执行任务，即杀死或抓住设计阿尔法系统的教授。男主角先见到教授女儿，又去见了另外一名特工，但他已经沉沦。之后，在教授女儿帮助下男主角遇见教授，想要动手时被抓住，并被计算机审讯。计算机难以理解男主角的回答，就让他参观阿尔法系统，男主角趁机逃脱。回到酒店，教授女儿来见男主角，交谈中两人产生感情。很快又有人来将男主角抓住，并带到教授面前。教授在与男主角交谈时，男主角开枪打死了他。最后，男主角带着教授女儿逃离阿尔法城，前往另一个星系。
这部电影是我这个才疏学浅的普通人无福消受的，所以片中的故事与情节以及拍摄方式都让我无法评说，也没有资格评说。只简单说一下我的感受。
首先，电影表现的主要内容就是专制，至于其他只可意会不能言传了。其次，电影对白在我来看大部分没有意义，即使有意义也是哲学上的、思想上的，这些对于只想简简单单看电影的我来说太深奥——实在不想动那个脑筋。第三，电影表现形式是费解的、乏味的，而且是“反电影”的，当然与其相对应的是好莱坞传统叙事。还是那句话，这部电影对我来说太难了，也太难看了！总之，“新浪潮”导演确实非同一般，能把电影拍得这么难懂、难看，堪称艺术电影的代表了，只是这样的电影对我来说只能是烂片。
除了以上感觉之外，我无话可说。此外要提一下片中的影像风格，太粗糙了！竟然把科幻片拍得如此简陋，也只有欧洲的艺术电影能做到这样吧。
演员方面同样不多说，只有Anna Karina的美貌让人留下印象。Anna Karina确实很漂亮，而且在片中那么年轻！女人还是年轻好啊。
总结一下。这是一部我眼中的烂片，不管影评说得如何，电影毕竟是给大众看得，拍得那么晦涩难看，何必呢？
Anna Karina
Anna Karina 1
Anna Karina 2
序列：1037
阿尔法城.Alphaville.1965.D5.MiniSD-TLF
2013-05-11
5 ) #火星影评#花非花电影大师们的科幻“恶”趣味
电影大师们看不上科幻？
科幻和文艺片的对立，大概要从去年我最爱的导演之一，老马丁的万字血泪出师表说起。漫威迷当时纷纷拍案而起，“控诉”大师们腐朽，不会欣赏新生事物，当然仅限于没有真正读懂老马文章的键盘侠们。
大师们，从来不是你们想的那样，譬如近4个月的疫情让全球影视圈陷入“大停电”的同时，却让隔离在家的各位文艺大咖们纷纷沦落为“深度网民”，譬如昆汀·塔伦蒂诺写起了“香港电影野史”，阿莫多瓦写起了“西班牙方方日记”。
当然其中最引人注目的自然是90高龄（其实还差几个月）的新浪潮大师，活化石——戈大爷（戈达尔）本尊营业做起了法语直播“大师课”Speak FIRST | 独家!戈达尔直播全程熟肉🎞
新浪潮电影我们都有所耳闻：狂奔、做爱、死人好（划掉），一直被归于“文艺片”的范畴，哪个爱装逼的小青年没开口谈过两部新浪潮电影，那他的段位必然是没过装逼全国统考及格线的。
《筋疲力尽》《随心所以》《法外之徒》，戈大爷的电影你没看过也多半听过，没听过也多半看过剧照海报，戛纳电影节官方海报就曾两次致敬这个让法式浪漫征服全世界的男人——的电影，譬如《狂人皮埃罗》。
《狂人皮埃罗》拍摄于1965年，让戈大爷扬名威尼斯电影节，成为他事业的一个高峰，同时也被很多小青年奉为圣经，新浪潮耳语式的万字观后感，我保证他们可以信手拈来。
但奇怪的是，同样拍摄于1965年，由戈大爷前妻即《狂人皮埃罗》的女主安娜·卡里娜主演的另一部电影金像奖电影《阿尔法城》却鲜有人提起，或许是因为《狂人皮埃罗》的星光太过耀眼。
又或许是《阿尔法城》过于偏离戈大爷的正轨，因为钟爱“色情”男女的戈大爷居然脑洞大开地拍了一部“不知所云”的原创科幻片，成为“新浪潮”电影里一道朋克风景线。
比起问“戈达尔怎么会拍科幻片？”更需要反问我们自己的或许是“为什么戈达尔们不能拍科幻片？”难道大师们不配吗？
事实上，文艺大师不会涉猎科幻题材似乎是因为大部分人已经习惯把文艺和商业对立看待。而在我看来这个“锅”当是好莱坞，尤其是漫威来“背”。把他们片塑造成对立两方的正是好莱坞自己，把科幻片作为纯商业片制作的正是漫威。
但只需要稍稍回望一眼世界影史就会发现，我们的认知偏差已经被好莱坞的黄金罗盘调教得迷失了很久。
事实上艺术片大师们早就已经染指过科幻，譬如德国表现主义大师弗里茨·朗在1927年就拍出了神一般的《大都会》，是当代赛博朋克的原型之一。
而地球人都奉为真神的库布里克则分别在1964年拍摄了《奇爱博士》、1969年拍摄了《2001太空漫游1969》、1971年拍摄了《发条橙》。 新浪潮另一大拿特吕佛在1966年拍摄了《华氏451》。文艺青年心中的神塔可夫斯基分别在1972和1979年拍摄了《索拉里斯星》和《潜行者》。
大师不拍科幻片，可能只是因为这个时代没有电影大师了而已，又或是我们把科幻定义的太过狭隘，譬如科幻就是超级英雄拯救世界。
谁说科幻只有超级英雄？
把科幻囿于超级英雄和拯救地球设定的是谁？我不好说，反正斯坦·李肯定没说过；乔治·卢卡斯也不背这个锅，在《西斯的复仇》里被团灭的绝地武士们肯定也不觉得自己超级。
而我们耳熟能详的科幻经典作：《银翼杀手》《异形》《回到未来》《终结者》《黑衣人》《独立日》《E.T外星人》《第三类接触》，其中又有谁是超级英雄？
如果你觉得这还不够说服你，那么咱们再看看文学界，回顾一下有世界科幻奥斯卡之称的雨果奖的历年获奖名单，其中超级英雄故事的比例，可以说是无限接近零。
只不过漫威带来了超级英雄电影量的突然爆炸，导致了大家产生了认知偏差。
事实上科幻并不应该只是一种人类自我认识膨胀的意淫，所有一流的科幻电影不仅给你展示了各种可能性，更会让你拥有前所未有的解构视角，它不该只是让你爽，它更会让你战栗流泪，不论是因为惊悚还是震撼。
它甚至不该给你一个逻辑完美的结局，而应该是模糊不清的、不知所措的、若有所思的、回不过神的，像是《银翼杀手》最后的那首意义不明却无比美丽的诗篇，是看似理性实则感性的存在。
所以或许和大家"刻板"的认知所不同，"感性"到飞起的电影大师们，恰恰才是"理性"科幻故事最好的讲述者。
当然前提是，你一点儿也不着急，你喜欢"耐心"这位陪伴者。
因为无论是库布里克的《2001:太空漫游》还是塔可夫斯基的《索拉里斯星》，无论是特吕佛的《华氏451》还是戈达尔的《阿尔法城》，对吃惯了好莱坞爆米花的人来说，无疑会被这些科幻片闷到怀疑人生。
譬如公认的神作《2001:太空漫游》在电影节首映时就曾遭遇过尴尬，当每个人都期待着库布里克的奇思妙想时，迎来的却是影史最"诡异"却又大胆的开场——用3分钟来呈现人类诞生黎明前的无尽黑暗，让不少影评人一时间也难以消化接受。
电影编剧即故事原作者，也是我们熟知的科幻三巨头之一的阿瑟•克拉克就曾经说："你若看一遍就明白了整部电影，那只能证明我们失败了，我们要提出的问题超出我们的想象”。
这番话，可以说是对大师们科幻片"恶"趣味的完美总结，因为他们从来就不致力于给出答案，科学也好，人生也罢。
正如斯特劳斯恐怕也不会想到，自己的《查拉图斯特拉如是说》和《蓝色多瑙河》会被赋予全新的太空诗意。而在没有CG特效的年代，库布里克用惊人的想象力和技艺还原了让登上月球的阿姆斯特朗都会惊叹的宇宙真实感。
此前从未有人把古典和未来结合的如此完美，极简的故事，极少的台词，极视觉化的镜头和极深的寓意，用150分钟写下一部电影版的《人类简史》。从超星孩、神秘黑石到HAL9000，其中的非逻辑性都给予了观众极大的思考空间，而这才是科幻该有的样子。
塔可夫斯基的《索拉里斯星》尽管表面看起来是另一番光景，没有宏大的场面和叙事，依然深深烙下他的印记：哲学思辨、臆想怀疑、痛苦悔恨、期待希望，还有浓浓的乡愁，互相夹杂、交替，混合成一首关于生命的诗篇。
但其本质又和他觉得"Boring"的库布里克作品并无差别，正如他自己曾经说过："影像的功能，在表达生命本身，而非生命的理念或论述。"
无论是开篇关于神秘索拉里斯的追问具有的苏联式政治隐喻，还是期间在无名太空站里毫无前因后果的哲理对谈，再到那场著名的男女主角拥抱失重漂浮的浪漫高潮戏，还有对于真实和人性本质的反思，都和《太空漫游》指向同一个意向。
特吕佛改编自雷·布拉德伯里的《华氏451》从风格上看起来和上面两位大相径庭，十分具像化和生活化的场景，被强化的极具法式味道的男欢女爱的暧昧故事线，以及标志性的琐碎长对话，都让它看起来似乎不那么科幻。
同样的，在戈达尔的《阿尔法城》里你也常常会被和实际生活过于相似的服装布景带出戏，絮絮叨叨毫无逻辑的对话，跳跃的场景和人物，都让人觉得自己仿佛在看一部文艺犯罪片，只是把巴黎换了一种称呼而已。
加上表演方式、色彩和戏剧节奏等各方面具有的鲜明时代感，使得新浪潮大师镜头下的科幻片显得有些滑稽和过时。但正如科幻片不是超级英雄片，同样的科幻片也不是特效大片，科幻某种程度上是对现实的透视和折射。
《华氏451》和《阿尔法城》正是用这种看起来的“现实感”和故事中的“非现实感”来制造出了一个气泡般的真空空间，假使你觉得它看起来配不上“未来”，那么反过来说，如今还住在百年老房中连装饰都没变的人是不是也配不上“当下”。
大师们的科幻"恶"之花
究竟什么样的故事才能够科幻？《简明不列颠百科全书》是这样定义科幻的——20世纪发展起来的一种文学体裁，这种体裁的小说以真实或想象的科学理论的发现为基础。
但这样看起来似乎概念更模糊了，因为我们还要解决一个概念，什么是科学？此处我们很可能又有了第二次认知偏差，因为通常提起科学，我们想起的就是物理、化学、生物、数学，甚至还是在应用层面的。
但实际上"学好数理化，走遍天下都不怕"的这几门基本属于自然科学，只是科学的一个分支，之所以说基本，是因为对于数学的分类还具有争议，它还和哲学一起被分入思维科学的范畴。
而一直被很多人视为"文科"的社会、心理、伦理等等也是科学的一类，叫做社会科学，所以并不是只有理科生是在学习科学，文科生同样也在学习和研究科学。
同样的，科幻也是如此，不仅仅是有关天文物理探索宇宙的才是科幻，关于伦理、心理、道德、社会、经济、历史等等现象和问题作假设和思考的都可以是科幻。
《华氏451》就明显带有奥威尔的"一九八四"意味，在电影里身着60年代消防员服装的新"消防员"们不再负责灭火，而成为了毁灭思想的火焰的执行者，即焚书坑儒的"侩子手"，私藏禁书，轻则没收烧毁，重则家毁人亡。
特吕佛以此来讨论语言、思维被规范化和禁锢化后的社会和人的变化。你可以明显的在电影中感受存在主义思想的影子，包括二战后经济和工业形成的新的集权中心对人类自由的影响。
戈达尔的《阿尔法城》也有着类似的主题：在电影中，男主角进入了由绝对理性逻辑的AI"阿尔法60"统治的阿尔法城，在这里所谓的"圣经"是一本语言辞典，词条随时可能修改，你的一举一动都被逻辑监视着。
"沉默，逻辑，安全，谨慎"，这是阿尔法城秉承的准则，哭是犯法的，爱是犯法的，良知是不存在的，一切都要合乎逻辑。在围城之中，人不需要自由意志，一切行为都是透明的、可预测的。
特吕佛、戈达尔、塔可夫斯基、库布里克始终关心的都是：人生、人性和存在，向外探寻世界的本质，向内探寻人类的本质，也就是所谓的哲学/科学终极三问：我是谁？我从哪里来？我要到哪里去？
当然不可否认，大师们都是形式主义的狂热爱好者，充斥着隐喻的镜头和台词、人物设置和道具细节，绝不会让你像看超英片那样畅快淋漓，甚至于你时常会被卡住，呈现出"便秘式"观影感。
但隐喻、形式也正是科幻作品的本质及魅力的来源之一，不是给出答案，而是提出问题。因此大师镜头下的科幻故事很少有绝对的善恶，绝对的结局，绝对的判断，绝对的立场，借用一句歌词Never Say Never。
如果你觉得自己是个真科幻粉，不妨找一部大师作品来看一看，当你有一天看出其中趣味的时候，或许才真正可以算入了科幻的大门。
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6 ) 远和近
强森对阿尔法60说，让你和你的逻辑去死吧。
阿尔法城就是这样一座逻辑之城，所有人不过是程序作用下的结果。
这座城市处死这样的人：妻子去世时流泪的男人；写作他们无法理解的诗歌的诗人；谈论诸如爱，温情这类话题的“非正常人”。
这座城市是一座真正的机械之城，或者说技术之城。
冯-依曼博士是计算机的发明者，他继而用计算机开创了阿尔法城，进而控制整个宇宙。
但最可怕的不是计算机，或别的任何技术，而是这些对人的影响以及改变。
在冯博士的思想里，技术统治一切，技术开创一切，技术代表一切。这才是真正的危险所在。
因此强森所要做的是教给娜塔莎技术之外的东西，比如爱。然后才能带她离开那座死灰般的城市。
二
计算机的发明已经半个多世纪过去了，互联网已经成了生活的一部分，每天同机器打交道比对人还多，这不得不让人心悸。
很多科幻所担心的机器控制人类这中情况恐怕一时半会不会发生，但机器改变生活方式，乃至思考方式的情景却不少。
前几天我在嘀咕上说：
“在古代，我们不短信，不网聊，不漂洋过海，不被堵在路上。如果我想你，就翻过两座山，走五里路，去牵你的手。”（胡淑芬）
一个姑娘看过后说：在现代，离开电脑出门跟你打个招呼，我都嫌麻烦，哎，可悲的电子时代哦。
我真的很想知道，技术是让我们更近了，还是更远。
我同样想知道，逻辑究竟能解决多少问题？
三
戈达尔在1965年，算是玩了一把科幻，不是很科幻的科幻。卡梅隆在2009年也玩了把科幻。前者黑白胶片，后者彩色3D。然而在我看来，戈达尔比卡梅隆“科幻”。
看阿凡达的时候，因为那千钧一发，屡试不爽的剧情发笑（我实在没法如很多所说的居然哭出来了），也的确因为那震撼的技术效果大声惊呼。而看戈达尔时，是一种享受。享受这故事，享受那意境，还有其中的镜头。
不得不提1小时14分，娜塔莎念着一首优美的诗时的那组镜头，光线，构图，蒙太奇，简直享受。
有时候，太强烈的感触会让你注意不到细节的美妙之处，就像3D。
有时我真以为我们是否需要那么多，我们真的需要3D那样逼真的感官刺激吗？可明明我的眼睛觉得不舒服。
Whatever，我喜欢那些老电影，慢慢的节奏，笨拙的技巧，别提多可爱了。
阿尔法60是一台飞利浦电风扇加灯泡，价值3美元。其声音来自某个刚做完声带手术，正学说话的人。黑色科幻电影，比2001太空漫游早3年，同样早于塔可夫斯基。有1984的影子，反乌托邦嘛。他那时仍爱卡里娜。粗糙不真实的动作戏现在已然风格化。他看穿了苏联，怎么若干年后被文革骗的晕头转向？
戈达尔标志性的无缘由画面乱入在本片中竟然产生了更接近传统叙事的效果——较比贴合这座乌托邦都市的神秘幻灭感。但感受到这一点的前提是你不会被其他那些叙事手法以及阿尔法60的模糊混浊单声调画外音早早引入困倦状态。
在阿尔法城收到两颗小豆，从零到无。太空歌剧背景下亲王《寂静之城》式圣经即字典每天删减的超级电脑控制下的小城，游泳池中正在行刑，诸如因妻亡而落泪之丈夫犯人们，枪响跳入池中，一群美少女接着跳入，将之淹死……随时有“今晚我们学习了生与死、两者同处于一个循环中”这样耐人寻味台词。
#重看#SIFF@环艺；音画分离玩得溜，平移镜头随手来，背景色切换，负片影像效果，与画框外的沉默时间同步；一个反乌托邦的理想国故事，一次精神漫游的黑色科幻，不无戏谑，全无正经，疙瘩就要逗你们玩。
呜呼！狗达在拍[阿尔法城]的时候一定是在恋爱，否则怎么会一反常态地把爱情塑造成一切的出路了呢？这样的陈词滥调也体现在他拿别人的东西东拼西凑，结果自己的哲学思考显得亏欠。不过狗达的脑洞依然很大，他也意识到人类自己才是这堕落的始作俑者。只有靠反逻辑的诗歌与爱情，这一恶性循环才能被终结。
看之前完全不知道是这样一部电影，真是非常有意思啊，很多地方现在想想都很值得玩味，像是1984却多了浓烈的幽默感。虽然我觉得自己应该是没有完全看明白吧。。。但“我爱你”我看明白了。<3
。
这不是1984，α-60也不是老大哥，他只是个遵从人类逻辑的机器；这不是科幻片，戈达尔也不是奥威尔，相反，他心中的乌托邦幼稚的可笑，他把音画分离，玩转负片只是为了讲一个“烂俗”的爱情故事。人类需要自知，于是有了《飞向太空》；需要未来，于是有了《2001》；需要语言，于是有了本片。
疙瘩以为光年是时间单位。 2015-06-14 大银幕重温 ★★★★
#SIFF 重看。大型神棍，有很多奇怪的东西混进这片，这片自己后来又混进别人拍的很多奇怪的东西。谜之爱情故事，neon sign addiction晚期患者。将黑夜照亮的，是诗。
戈达尔的反乌托邦科幻片，获柏林金熊奖。①阿尔法60的技术理性极权,沉默,死寂之城；②低成本黑色电影既视感,风扇,话筒,E=mc²霓虹灯；③跳跃剪辑+负片手法,奇诡突兀的音画分离,配乐足够先锋,滴滴声；④泳池枪决戏,魅惑无比；⑤粗重混浊的男声旁白；⑥艾吕雅[痛苦之都],以爱和诗对抗逻辑。（9.0/10）
我还真看了。把1984、2001太空漫游、Matrix、痛苦之都搅拌后撒上诗意，就有了本片
诗歌照亮了黑夜；一把手枪摧毁了阿尔法城！
主要是在感受戈达尔对镜头处理的自由性和实验。画框外延续空间的表现是印象最深的点。
#SIFF# 环艺/九成。 戈达尔极具前瞻性（1965年就洞悉了互联网时代的核心）的科幻电影：对技术的统治（服从机器逻辑）、时间（过去和未来不存在，只有现在）、技术对精神（自由意志）的控制、艺术的沦陷皆有哲学层面的探讨。只是结尾爱拯救一切太过简单化。
我怎么看出天朝的影子。。。他犯了什么罪？他们的行为不符合逻辑，他在妻子去世时哭泣；每天都有词汇从书本中消失，敏感词咩【例如“良知”】。。。
戈达尔说过，声音可以独立于影像之外，尤其是音乐，“音乐有自己的生命与世界，像车子或街道是活的元素”音乐与影像 「以对位并行，音乐甚至可以否定影像。音乐是来自外面的 世界」。阿尔法里的配乐甚至里面的对话和影像几乎是脱离的，这个虚构的城的主脑一台名为Alpha 60的中央处理器，发出指令的声音更是令人感觉置身于噩梦中。声音在该片中起到了极重要的效果，当然我并不是说画面不再重要。大胆的跳切、演员直视镜头的表现力，負片效果，以及其他特效。 还是倾向于认为戈达尔的影片解构了经验世界，解构了Orpheus。以符
初看还以为是控诉文科生建立的政治极权主义，细看才知道是吐槽理科生建立的工具理性极权主义。。一笑。以及，在美国会被拍成超人或英雄的故事，被戈达尔变成了冷冷的黑色电影。
对工具理性的指控是明白易见的:堆砌E=mc²、ε=hf、海森堡、费米等符号,指向原子能这一现代性的终极武器,多少有些简单粗暴(工科出身的观众看来尤其如此),以爱之名的反抗也皆在意料之中; 但影像演证(demonstration)的手段依旧亮眼:人们常聚焦于戈达尔早期作品中的跳切,却易忽视他同时也是一位长镜头大师――本片严肃阴郁的气氛正是由多处一场一镜的手段不露声色地构建起来,其并不以摄影机复杂的运动技巧取胜,而总是简洁、果断而有力的; 声画对立的运用承接自《女人就是女人》,戈达尔无疑极爱卡里娜,以至于不惜用类似巴赫《马太受难曲》中的手法,为她的段落加上特别的背景――它由阿尔法城的第二主题变形而来,是弦乐奏出的"光环",是照亮黑夜的诗歌.
疙瘩儿的迷人仍然在他硬邦邦的浪漫。有一些段落镜头真是太可爱了，但烦人的也多。处决剧院的装置就很好